ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ ИЗДЕЛИЯ С РЕЗЬБОЙ
Искусство резьбы по камню часто называют глиптикой. Глиптика — один из
самых древних видов художественной обработки самоцветных и цветных
камней. Резные камни называются геммами.
Камень с углубленно вырезанными изображениями называется инталией, с
выпукло-рельефным изображением — камеей.
Исторически инталии предшествовали камеям. Инталии служили печатями,
оттиски которых делались на глине, воске, позже на сургуче.
Древнейшие инталии в виде цилиндров, украшенные резными рисунками, дошли
до нас с Ближнего Востока, из Ассирии и Вавилонии, где они, очевидно,
применялись в качестве печатей и амулетов.
В эпоху пирамид (3000—2300 гг. до н. э.) появились круглые печати в виде
пуговиц, а несколько позже, в период Среднего царства (2100— 1788 гг. до
н. э.), — в форме скарабея. Скарабей считался священным жуком и позже
его вырезали в виде камей, т. е. выпуклого рельефа.
В античной Греции классического периода круг сюжетов глиптики
значительно расширяется. Одна из самых блестящих эпох в развитии
античного искусства резьбы по камню относится к Греции времен Александра
Македонского (IV в. до н. э.). Сюжеты античных гемм весьма разнообразны.
В них нашли отражение все стороны материальной и духовной жизни
античного мира. Особенно ценно в них воспроизведение навсегда утраченных
шедевров греческой живописи и пластики. Большой интерес вызывают резные
камни не только Древней Греции, но и Италии. Здесь родилась та особенная
выразительность, которая соединила виртуозную резьбу и красоту различных
тонов камня. Даже разноцветные жилки искусно использовались в композиции
при изображении волос, одежд или украшений.
Вначале для резьбы использовались преимущественно мягкие камни, но позже
геммы резались на достаточно твердых породах, одноцветных, прозрачных,
пятнистых, просвечивающих. Чаще других камней употреблялись халцедон,
агат, сердолик, оникс, сардоникс, карнеол, яшма. В античной глиптике
преимущественно употреблялся разноцветный прослойный, сложный по своему
рисунку агат. Прослойность агата использовалась умело. Изображение
выполнялось на светлом слое, а темный нижний служил фоном. Известна
резьба и на твердых драгоценных камнях, таких, как изумруд. Согласно
Геродоту, драгоценный перстень Поликрата представлял собой резной
изумруд работы самосского мастера Феодора (VI в. до н. э.). Простая,
казалось бы, гравировка на алмазе «Шах» считается виртуозной не по
рисунку, а по четкости и тщательности его выполнения. «Шах» известен
своей печальной историей. Начало истории — в сказочной Индии, конец — в
нашей Москве.
Желтоватый, величиной 3 см алмаз был доставлен ко двору владетельного
индийского князя Ахмаднагара. С невероятным трудом индийские мастера
вырезали первую надпись на одной из граней алмаза
— фамилию владельца драгоценного, очень редкого по красоте алмаза. В тот
же год Великий Могол завладел Индией и этим камнем. Но вскоре на престол
взошел внук Великого Могола (Акбара) Шах Джехан (Властелин мира).
Шах Джехан был знатоком и большим любителем самоцветов, и сам занимался
их обработкой. На второй грани появилась вторая надпись:
«Шах Джехан». Вскоре сын этого владыки, завистливый Ауренг-зеб, заточил
отца в темницу, завладел троном и короной, в .которой среди других
самоцветов был знаменитый алмаз «Шах». Через 75 лет Шах Надир из Персии
напал на Индию, разорил Дели и среди других драгоценностей завладел ал-
мазом. Через сто лет на нем появилась третья надпись на третьей грани,
уже на персидском языке.
Но наступили новые события, оставившие в истории кровавый след.
30 января 1829 г. в Тегеране произошло нападение на русское посольство.
Среди погибших был великий русский писатель А. С. Грибоедов, автор
известной во всем мире комедии «Горе от ума». И вот для того, чтобы
умилостивить «белого царя», из Персии в Петербург направляется сын
персидского шаха, который во искупление вины персидского народа передал
России знаменитый алмаз «Шах» с резьбой- гравировкой на трех гранях.
«Белый царь» принял дар и простил, предав забвению, гибель Грибоедова.
В настоящее время алмаз «Шах» является народным достоянием и его можно
увидеть в Алмазном фонде в Москве.
В эпоху эллинизма высоко ценились многоцветные, многослойные камеи.
Первые камеи появились в Александрии, и лучшие образцы античных камей
относятся ко времени правления в Египте эллинистической династии
Птолемеев.
Геммы как высокохудожественные произведения искусства стали
коллекционироваться. Известно, что Помпеи выставил в Капитолии коллекцию
гемм, захваченную им у царя Митридата, а Гай Юлий Цезарь свое богатое
собрание гемм завещал государству.
Если инталии известны с глубокой древности, то камеи получили
распространение в эпоху эллинизма в среде знати. Камеи вставляли в
диадемы, перстни, ими украшали драгоценные сосуды, наконец, просто
хранили как произведения искусства.
Одна из самых крупных в мире коллекций гемм находится в Государственном
Эрмитаже — свыше десяти тысяч инталии и камей, прекрасные геммы из
сердолика и халцедона. На одной из них изображен Александр Македонский в
образе Зевса, а на другой —
«Ника на колеснице»: это работы греческих мастеров III—IV вв. до н. э.,
выполненные на сердолике. Вырезанная на халцедоне гемма «Летящая цапля»
— работа греческого мастера Дексамена (V в. до н. э.). Известная гемма
на халцедоне «Медуза Горгона» также выполнена в V в. до н. э.
Не менее примечательны великолепные геммы итальянских мастеров. Среди
них известны геммы мастера Гилла (I в.) — «Аполлон Палатинский» на
сердолике и «Зевс» на сарде. На голубом хрустале выполнен портрет «Люция
Вера».
Из западноевропейских камей в собрании Эрмитажа представлена резьба на
различных цветных камнях. Среди них камея «Тигр» на агате
— работа английского мастера Вильяма Брауна (около 1798 г.).
Великолепная камея на сардониксе «Вакханка
и Сатир» — работа итальянского мастера Франческо Альфиери (XVIII в.).
Известная камея на коралле «Портрет Ришелье» создана французским
мастером в XVII в., к сожалению его фамилия неизвестна.
Одна из редких по красоте и размерам — камея Гонзага. Камея названа по
имени итальянского герцога XVI в. Гонзага, в коллекции которого она
находилась. На причудливо окрашенном природой, почти прозрачном
трехслойном сардониксе высоким рельефом вырезаны два тонких профиля, как
предполагают, египетского царя Птолемея Филадельера и его жены Ар-синои.
Камея Гонзага выполнена в III в. до н. э. в Александрии, столице
птолемеевского Египта, одном из ведущих центров эллинистической
культуры.
Известны имена выдающихся резчиков древних времен — Крамоса и
Диоскорида, придворного резчика Александра Македонского, имена
западноевропейских резчиков: итальянского мастера Гилла (I в.),
английского мастера Вильяма Брауна (XVIII в.), итальянского мастера
Франческо Альфиери (XVIII в.) и др.
Мы рассказали только о некоторых геммах. Обо всех рассказать невозможно,
да и не нужно. Наша задача — дать общее представление о камеях и
инталиях, созданных мастерами прошлого. Необходимо отметить, что именно
геммы являются характерными представителями художественной резьбы по
камню.
Чаще всего их изготавливают на различных разновидностях халцедона,
однотонной яшме, морионе. Инталии эффектнее на прозрачных или
просвечивающих камнях. Тематика гемм может быть любой — портреты
исторических личностей, сказочных персонажей, изображения животных,
орнаменты и др.
Умение вырезать изображение на камне твердых пород с учетом его рисунка,
тональности и даже дефектов доступно только высококвалифицированным
мастерам-художникам.
Мы знаем мастеров-резчиков по камням, живших в далекие времена, но мало
знаем о мастерах — наших современниках. У нас есть такие мастера,
которые способны создавать произведения искусства — не менее прекрасные
геммы. Это И. П. Андреев, В. П. Ерцев, Ю. П. Дацюк, Ю. Н. Золотов, Л. А.
Порозкова, А. А. Журавлев, П. Б. Потехин и др.
Талантливый мастер-художник И. П. Андреев в 1922 г. закончил
художественное училище при Петергофской гранильной фабрике. Им
реставрированы многие произведения искусств из камня в Государственном
Эрмитаже, в том числе малахитовый зал, известные шкафчики с пейзажной
флорентийской мозаикой. Созданные им барельефы Гоголя и Суворова на
благородной однотонной серовато- зеленоватой калканской яшме, поражают
своей выразительностью и характером портретов (рис. 16). ц. П. Андреев
выполнил высокорельефную резьбу, для которой характерно сильное
углубление фона, позволяющее достигать многоплановости композиции,
выпуклости форм изображений, резкости и силы световых контрастов.
Рельефная резьба выполнена безукоризненно, на уровне античных камей.
Тщательно проработана каждая деталь; главное другое — портреты на камне
— это не копии каких-либо уже известных камей. Это
— камеи-портреты, созданные И. П. Андреевым. Резьбе предшествовали
длительная кропотливая работа с литературой о Гоголе и Суворове,
изучение существующих портретов, проникновение в характеры, затем —
неоднократная эскизная зарисовка, лепка барельефов, и только после этого
— резьба на камне.
Рассказывая о своей работе над барельефом Суворова, Иван Петрович
отметил, что он долго не мог закончить работу над портретом в эскизном
исполнении. Чего-то не хватало в образе, он был мертв. Помог ему
Вольтер, великий французский писатель-драматург» вернее, портреты
Вольтера и вообще его образ. Очень трудно, почти невозможно, постичь все
мысли и ассоциации, рождающиеся у художника в процессе творчества, но на
лице андреевского Суворова появилась мягкая, слегка саркастическая
улыбка. И уже на барельефе — из калканской яшмы на Вас смотрит
удивительно живой Суворов.
И. П. Андреев — не только мастер резьбы по камню. Он владеет любым видом
обработки цветного камня. Его талант художника, тонкий художественный
вкус, внутренняя культура и удивительное мастерство превращают камень,
попавший в его руки, в произведение искусства.
Не случайно длительный период времени И. П. Андреев, будучи главным
реставратором изделий из камня в Государственном Эрмитаже, одновременно
работал мастером производственного обучения в 24-м Художественном
ремесленном училище. Являясь знатоком классического наследия прошлого,
он передал свои знания и умения молодому поколению, своим ученикам. А
его ученики — тоже уже известные мастера высокой квалификации и широкого
диапазона.
Интересны камеи-броши, созданные художником-мастером А. А. Журавлевым.
Его четыре камеи названы по временам года: «Зима»,
«Весна», «Лето» и «Осень» (рис. 17).
Образ «Зимы», кажется, подсказан самим материалом — халцедоном с мелкой
кварцевой щеткой. Это пожалуй, самая сложная по исполнению, но и самая
интересная камея. А. А. Журавлев удачно нашел обобщенный образ русской
женщины, не от-
нося его к определенной эпохе. На ее голове меховая шапка белоснежными
искрящимися снежинками (кварцевая щетка) надетая поверх платка. Платок
из серовато-голубоватого халцедона. Скромная орнаментировка внизу удачно
заканчивает общее композиционное построение. Лицо тонко проработанное
матовое. Платок отполирован. Этим достигается определенны художественный
эффект. Полированный платок подчеркивает пластику лица. Размер камеи 34
Х 27 мм.
Камея «Весна» выполнена на зеленом хризопразе. Хризопрас редко бывает
без включений или пороков. В данном случае автором удачно обыграны
отдельные включения как центры цветов
Размер камеи 36 х 25 мм (см. рис. 17).
Камея «Лето» размером 38 х 29 мм изготовлена на сердолик (см. рис.
17). И это не случайно. Красноватый теплый тон камня как бы олицетворяет
лето красное, когда солнце в зените, весны уже и след простыл, а до
осени еще далеко.
Подобрать материал для камеи «Осень» было достаточно сложно.
«Осень» могла быть выполнена из сердолика или сарда и других
разновидностей халцедона оранжевого, красного, багряного цвета. Стремясь
создать художественные изделия, в данном случае камеи, Журавлев хотел
показать более широкую гамму, вернее, контрастные по цвету разновидности
халцедона.
Образ «Осени» несколько холодноватый; это поздняя осень, за которой уже
чувствуется дыхание зимы. Чтобы как-то смягчить, сделать теплее образ
женщины, олицетворяющей осень, автор вносит в композицию узорчатый
платок с рисунком гроздьев рябины. И камея
«Осень» получилась. Размер камеи 38х29 мм.
Превосходно владеет техникой резьбы по камню, в том числе изготовлением
гемм, художник П. Б. Потехин, изделия которого часто выставляются на
выставках прикладного искусства.
Резьба широко применяется при изготовлении и других изделий, придавая им
особую выразительность и красоту, а в таких видах изделий, как объемная
мозаика, малая пластика, скульптура малых форм, резьба является
необходимым элементом, необходимой технологической операцией. Поэтому
техникой резьбы по камню должен владеть любой высококвалифицированный
рабочий.
МОЗАИЧНЫЕ ИЗДЕЛИЯ
Мозаика относится к одному из основных видов монументаль но-
декоративного искусства.
Мозаика (от французского mosaique, итальянского mosaic или
латинского musinum —
буквально: «посвященное музам»)
изображение, рисунок или узор, выполненные из однородных или различных
по материалу частиц. Мозаика широко применяется для произведений
декоративно-прикладного искусства, реже — для создания станковых картин.
Особым видом мозаики является каменная.
Мозаичные узоры, натюрморты, пейзажи набирают из камней
и смальты. Иногда в мозаичных наборах сочетают цветные камни и смальту.
Смальта — это цветное непрозрачное (глушеное) стекло. Различают
прозрачную смальту (стекло, окрашенное огнеупорными красителями) и
глухую (опаловую), получаемую введением в стеклянную массу веществ,
заглушающих прозрачность, — двуокиси олова, окиси сурьмы и др.
В Государственном Эрмитаже хранится большая римская мозаика III в. н. э.
из смальт и цветного камня, украшавшая в прошлом пол римских бань —
терм. Она иллюстрирует греческий миф о юноше Гиласе, спутнике Одиссея,
который во время стоянки корабля «Арго» пришел за водой к источнику и
был увлечен нимфами на дно. Замечательные мозаики, изображавшие лица
ацтеков, были найдены в древнемексиканских гробницах и капищах. Тип
мозаик своеобразен. Пластинки, из которых составлена мозаика, имеют
самую разнообразную форму. Использованы самые различные материалы:
перламутр, малахит, золото, кремний, стекло, коралл, кость, зубы акул,
жемчуг, обсидиан и даже гранит, берилл и изумруд; больше всего бирюзы от
голубого до зеленого цвета.
В странах ислама, а также в Испании и Португалии в XIII—
XVI вв. развивается майоликовая мозаика, в которой изготовленные по
шаблону частицы составляют сложные арабески, строго подчиненные
архитектурному началу.
Среди лучших образцов среднеазиатской мозаики, созданных
в XIV—XV вв., — облицовка порталов зданий в Самарканде и Бухаре, а также
купола мавзолея Тюрабек-Ханым (близ Куил- Ургенча).
Богата полихромия средневековых мозаик Византии, Древней Руси, Италии.
В России занимались мозаикой издавна. М. В. Ломоносов возродил в России
забытое с XII в. искусство мозаики. В его мозаиках из смальты ярко
проявились патриотизм и замечательное художественное чутье. Мозаичные
работы М. В. Ломоносова отличаются монументальностью, выразительностью,
силой красок и превосходят современные ему западноевропейские, в том
числе знаменитые итальянские.
К лучшим мозаикам М. В. Ломоносова относят портрет Петра I из смальты,
созданный в 1754 г., который находится сей-
час в Государственном Эрмитаже. В 1762—64 гг. мастерская Ломоносова
выполнила грандиозное настенное панно «Полтавская баталия». Сейчас эта
мозаика находится в здании Академии Наук СССР в Ленинграде. Это одна из
двенадцати задуманных им композиций, предназначенных для внутреннего
убранства Петропавловского собора, который он хотел превратить в
монумент исторических событий Петровской эпохи.
Мозаичные картины М. В. Ломоносова хранятся в Русском музее, в
Государственном Эрмитаже, в музее г. Ломоносова, в Историческом музее в
Москве и в музеях других городов.
В собрании Государственного Эрмитажа много памятников прикладного
мозаичного искусства Западной Европы. В него входят произведения
XVII—XIX в., а также несколько произведений XIII, XVI, XX столетий.
Авторами большинства изделий являются итальянские мастера, но отдельные
вещи созданы французскими и голландскими художниками.
Особый интерес представляют мозаичные произведения Джакомо Раффаэлли,
также представленные в Государственном Эрмитаже. Одна из особенностей
творчества Раффаэлли заключается в том, что он наряду с римской техникой
удачно использовал флорентийскую. К ним относятся несколько столешниц в
Государственном Эрмитаже. Этим методом пользуются и современные русские
мастера.
Одно из главных мест в области мозаичного искусства, как известно,
принадлежит Микеланджело Барбари. Именно его творчество оказало большое
влияние на дальнейшее развитие мозаичного искусства XIX в. не только в
Италии, но и в других странах, в том числе и в России.
В Государственном Эрмитаже экспонируются прекрасные произведения
мозаичного искусства русских мастеров XVIII и XIX вв., особенно в
Малахитовом зале. Это — колонны, вазы, столешницы, пейзажные картины на
шкафчиках из красного и чинарового дерева, богато украшенных золоченой
бронзой, орнаментами в стиле Людовика XVI.
После Великой Октябрьской Социалистической революции заметный подъем
мозаичного искусства, особенно из смальты, обусловлен возросшим
интересом к монументальным произведениям искусства. Среди работ
художников старшего поколения наибольшую известность получили смальтовые
мозаики А. А. Дейнеки, П. Д. Корина, флорентийские мозаики Г. И.
Опрышко.
В 1960—1970 гг. яркие образцы мозаично-де-коративного убранства создают
Б. П. Милюков, А. Ф. Рыбачук, Б. П. Чернышев, В. Б. Элькони.
В 1968 г. интересная мозаика создана Б. А. Тальбергом на фасаде
спортивного корпуса Дворца культуры в г. Свердловске.
В зависимости от техники исполнения и художественных особенностей
мозаика имеет много разновидностей. Различают мозаики из камня:
флорентийскую, римскую и русскую. Сами названия говорят об их
происхождении, но они отличаются и по
технике изготовления.
Флорентийская мозаика —
это создание художественного изо- бражения из сочетания различных пород
цветного камня разных цветов, оттенков и геометрических форм.
Флорентийской она называется потому, что мастера Флоренции первыми стали
применять естественный, природный рисунок камней для получения готовых
картин. Первым материалом был плиточный мрамор, так называемый
«руинный», но позже стали применять в основном цветной камень твердых
пород, пластинки которого тщательно подогнаны друг к другу без видимого
невооруженным глазом «шва» (место стыковки пластин). Каменные пластинки
могут быть любой геометрической формы, но должны быть расположены в
одной плоскости. Художественный эффект флорентийской мозаики основан на
идеальном подборе оттенков камней с
использованием их естественного рисунка.
Во Флоренции художники издавна занимались мозаикой, но лишь к концу XVI
в. была выработана та особая техника мозаики, которая за свою долгую
историю не претерпела почти никаких изменений. Содержание же мозаики
менялось в зависимости от общего процесса развития изобразительного
искусства.
Один из первых историографов итальянского искусства эпохи Возрождения
Вазари писал: «Достойная мозаика должна отличаться ясностью в своем
построении, в тенях плавностью переходов между разными оттенками
темного, выполняться должна с тончайшим расчетом на большое расстояние
от глаза так, чтобы казалась картиной, а не инкрустацией».
Наиболее ранними образцами флорентийских мозаик в Эрмитаже являются две
мозаичные плакетки: «Благовещение» (вторая половина XVI в.) и «Святой
Бонавентура» (XVII в.). Эти картины — прекрасные произведения
камнерезного искусства не только в техническом, но и в художественном
отношении.
В картине «Благовещение» неизвестного флорентийского мастера платье девы
Марии —из красной яшмы, мантия —из лазурита, крылья Гавриила — из
разноцветных камней, облако — из агата. Кроме яшмы и других цветных
камней в мозаике использован перламутр, из которого выполнена книга.
Вторая мозаичная картина, тоже неизвестного флорентийского художника,
выполнена из сочных, колоритных цветов твер-
дых пород камня. За столом, покрытым скатертью из красной яшмы, сидит
кардинал — Святой Бонавентура. Лицо и руки — из кахолонга, на голове —
шапка из красной яшмы, мантия — из атласного шпата, одежда — из
опалового кахолонга с перламутровым блеском. За спиной его — сад и
гористый пейзаж из мрамора, агата и яшмы.
Однако флорентийская мозаика чаще применяется для украшения убранства
помещения (столов, часов, шкафов и т. п.). Все произведения отличаются
яркой, сочной, красочной гаммой камней. В их декоре встречаются как
геометрические фигуры, так и растительный орнамент, фрукты, птицы,
насекомые.
В России первые мозаичные работы были созданы в XVIII в. В Китайском
дворце в г. Ломоносове хранятся два мозаичных столика. В Государственном
Эрмитаже хранятся столики, выполненные русскими мастерами из амазонита и
письменного гранита:
полировка хорошо сохранилась. По технике исполнения они нисколько не
уступают итальянским мозаикам того же времени.
Уникальным классическим примером флорентийской мозаики являются
мозаичные панно на двух деревянных шкафчиках в Малахитовом зале
Государственного Эрмитажа. Один из них — чинаровый шкафчик с мозчичным
панно «Арабески» на дверце по рисункам художника Лерима (1888 г.).
Второй — шкафчик из темно- красного дерева с удивительным мозаичным
панно «Тропический лес» (рис. 18) по рисункам французского художника
Генри Дассона (1884— 1888 гг.). Мозаика исполнялась русскими мастерами
Петергофской гранильной фабрики из различных твердых пород цветного
камня. Восхищает совершенство техники, художественный вкус при подборе
камня. Мозаика «Тропический лес» очень сложного рисунка. Для фона
мозаики выбран кахолонг и другие разновидности халцедона. Прекрасные
мягкие переливы кахолонга, от чисто-белого (белоснежного), сиреневого до
ярко-желтого, и кораллово-красного сардоникса блестяще использованы в
мозаике. Для изображения разнообразной растительности в тропиках
послужили различные зеленые яшмы. Большие листья какого-то тропического
растения составлены из кусочков зелено-пятнистой яшмы. Мастер так
искусно использовал расцветку камня, что листья кажутся совершенно рель-
ефными. Всползающие по стволам деревьев лишайники и мхи составлены из
маленьких кусочков тщательно подобранных кок- тебельских голышей и яшм,
синие цветы — из бадахшанского лазурита, розовые — из опала, листва
пальм — из зеленых яшм, стволы пальм и других деревьев — из окаменелого
дерева, попугай — из красной и зеленой яшмы, летящие птицы и обезьяны на
лианах — из кусочков разнообразных цветных камней. Пора-
зителен искусный подбор переходов камня по тональности. и вообще мозаика
воспринимается как великолепная живопись, созданная не красками, а
палитрой цветного камня. После Веянной Отечественной войны мозаика
реставрирована мастером П. Андреевым.
Монументальным произведением искусства, выполненным способом
флорентийской мозаики, является известная карта «Индустрия социализма»
для Всемирной выставки в Париже в 1937 г. ]\1озаичную карту выполняли
мастера Ленинграда и Урала. Она справедливо считается виртуозным
произведением мозаичного искусства. Мозаика выполнена из цветных и
самоцветных камней. Площадь ее 29,5 м2.
Над картой работали камнерезы, огранщики и ювелиры. Б. П. Павловский в
своей книге «Камнерезное ИСКУССТВО Урала»
пишет об этом так: «С тонким чувством цвета подобраны сорта зеленых яшм
для бескрайних равнин нашей Родины, желтых и коричневых —для гор,
лазурита —для водных просторов. Из орлеца и сургучной яшмы сделана лента
государ- ственных границ.
Вся карта состоит из секций — частей, ограниченных параллелями и
меридианами. Готовые секции укреплялись на стальной
основе — раме.
Мозаичный набор карты требовал кропотливой и чрезвычайно точной работы.
По рисунку, выполненному акварелью, мастера с таким расчетом подбирали
тона камня в каждой секции, чтобы они совпадали, согласовывались друг с
другом, а не выглядели заплатами. Тщательно нужно было не только выбрать
цвет камня, но и соблюсти размеры деталей. Неточность размеров,
допущенная на одном планшете, приводила к тому, что изображенные на нем
реки, озера не увязывались с реками, озерами, изображенными на другом
планшете».
Города, промышленные центры, месторождения полезных ис- копаемых
отмечались гранеными самоцветами, рубинами, аль- мандинами, аметистами,
изумрудами, топазами, аквамаринами и - многими другими. Только яшмовых
пластин было обработано 4..") т (3685 граненых камней). После выставки в
Париже в 1939 г. мозаичная карта экспонировалась на Всемирной выставке в
Нью-Йорке. После возвращения ее в Москву потребовались серьезные
реставрационные работы. В 1947 г. директор Эрмитажа И. А. Орбелн передал
карту для реставрации Ленинградскому художественно-ремесленному училищу
№ 24. Работы выполнялись под руководством стершего реставратора Эрмитажа
и мастера училища И. П. Андреева. И 1 мая 1948 г. реставрированная карта
уже висела в Эрмитаже. Реставрацию успешно выполнили мастера и учащиеся
училища. Среди них И. П. Андреев, А. Е. Дризга-
лович, Н. М. Огпевюк, И. А. Богданов, Н. Ф. Яковлева, Д. Д. Шевелев,
Н. С. Исаев и др. Сейчас отреставрированная
карта «Индустрия социализма» находится в Георгиевском зале
Государственного Эрмитажа.
Современные мастера хорошо владеют техникой флорентийской мозаики. В
настоящее время эта мозаика, пожалуй, самая распространенная, но в
основном ее выполняют на небольших художественных изделиях, таких, как
шкатулки, коробки, де- коративные панно и др. Большинство советских
мастеров окончили профессионрльно-технические училища.
Высококвалифицированными мастерами художественной об- работки камня и
особенно флорентийской мозаики являются И. Буграчева и Ю. Золотев,
окончившие художественное ремесленное училище. К квалифицированным
мастерам мозаики относятся Б. Смирнов и А. Кореньков, окончившие ПТУ,
камнерезы В. Ситников, В. Маратканов, В. Татауров и др.
И. С. Буграчева — уже бригадир экспериментального участка по обработке
художественных изделий из твердых пород цветного камня. Но и будучи
бригадиром, она продолжает работу с цветным камнем, особенно
изготовление изделий с флорентийской мозаикой по рисункам художников.
Учитывая свойства камня и его цветную гамму, И. С. Буграчева вносит свои
коррективы, являясь таким образом не только исполнителем, а соавтором, а
иногда и автором произведения.
Флорентийская мозаика может быть выполнена и из одного вида камня.
Интересно выполнена мозаика на крышке круглой шкатулки
«Клен» (рис. 19). Корпус шкатулки и фон мозаики выполнены из темно-
зеленого пятнистого змеевика, клен — из пестроцветной яшмы разных цветов
и тонов от желтого до красно-коричневого и черного цвета. Отдельные
детали мозаики (кусочки камня) тщательно подогнаны друг к другу и
создается полное
впечатление, что осенний нарядный кленовый лист вырезан из одного куска.
Изящная шкатулка, названная «Увезу тебя я в тундру», изготовлена из
пестроцветной яшмы (рис. 20). Рисунок предельно лаконичен и ясен. На
снегу (из белого кварца с внутренними небольшими трещинами) олень с
партой. В нарте человек. Олень, человек и нарта выполнены из коричневой
яшмы, но не однотипной. Мастеру удалось удачно использовать разную
тональность яшмы для выразительности рисунка. Небо — из бледно-голубого
лазурита, горы —из зеленой и черной яшмы. Интересной современной работой
с флорентийской мозаикой является мозаичная столешница, созданная
талантливым советским
умельцем, ученым-геологом Ю. В. Никитиным. Столешница
представляет собой как бы красочную наглядную литотеку. Красочно
подобрана палитра цветного камня. Почти зеркальная полировка делает
столешницу нарядной, праздничной. От нее трудно оторвать глаз, так
щедро, мастерски, с большим художественным вкусом Ю. В. Никитин
раскрывает богатство цвета русского камня его несравненную и вечную
красоту, богатство недр нашего отечества и талант ее сынов. Столешница
Ю. В. Никитина состоит из 400 образцов цветных камней, разных по форме и
размерам, но одинаково тщательно и любовно обработанных. У педантичного
ученого Юрия Владимировича есть как бы приложение к столешнице —
описание каждого камня с указанием его месторождения.
Особо стоит выделить мозаичные изделия, созданные мастером В. П.
Ерцевым, который одновременно является художником, т. е. автором
изделия, мастером-исполнителем, конструктором и технологом. Его изделия
непохожи на все другие произведения прикладного искусства. Их объединяет
только название «Шка-тулка1),
т. е. назначение художественного произведения. А все остальное —
характер мозаики, форма изделия и даже технологические приемы —
различно. Шкатулка (рис. 21) состоит из квадратного мельхиорового
корпуса и мозаичной крышки. Как видно из рисунка, шкатулка напоминает
стол, покрытый кружевной скатертью с волнистой каймой. В центре скатерти
— серо- голубой с концентрическими кругами агат. Автор подобрал ему
достойную оправу — обсидиан. Именно в этом сочетании серо-голубого с
серебристо-черным видел Ерцев нужный цветовой эффект. И он не ошибся.
Скатерть воспринимается кружевной;
она выполнена в стиле флорентийской мозаики, т. е. каждая деталь, все
кусочки обсидиана размером от 1 до 10 мм подогнаны друг к другу без
просветов. Размеры мозаичных элементов разные, а форма одна, — все
напоминает плоскую морскую гальку (окатыши) разной величины, но плоские.
Форма каждого окатыша подчеркнута и этим достигается определенный
декоративный эффект, тем более, что обсидиан в тонких слоях
просвечивает. В. Ерцев отполировал обсидиан с двух сторон, увеличив
просвечиваемость (мерцание), что и создало впечатление кружева.
Волнистая серебристая кайма удачно заканчивает композицию.
Размер шкатулки 120 Х 120 Х 60 мм.
Шкатулка с мозаичной крышкой, выполненная мастером Ю. Золотовым, одно из
первых мозаичных изделий на ленинградскую тематику. На переднем плане
Нева, вдали Петропавловская крепость. Вся мозаика: крепость, Нева, небо
— исполнены в пастельных тонах в основном из различной яшмы, халцедона и
кварцита (рис. 22).
Римская мозаика. Римская
мозаика набирается из сравнительно
.мелких кусков цветных смальт или камней.
Во флорентийской мозаике формы и размеры отдельных элементов определяет
мастер-исполнитель для каждой конкретной картины, но границы между ними
(швы) не должны быть видны. Готовое произведение искусства — пейзаж,
орнамент и т. н. — воспринимаются как единое целое. В римской же мозаике
могут быть видны геометрические формы пластин из цветного камня или
смальты. Допускается расположение деталей мозаики на некотором
расстоянии друг от друга (видимые швы). Это не снижает декоративного
эффекта, но требует от исполнителя прекрасного владения обширной
палитрой смальты или цветных камней.
Прекрасными образцами таких мозаик в Государственном Эрмитаже являются
плита и две колонны XIII в. работы мастерской Космати в Риме. Белые
мраморные плиты и колонны украшены простым и строгим мозаичным
орнаментом из разнообразных смальт и цветных камней. На белом мраморном
поле в центре — круг из темно-вишневой яшмы в обрамлении цветной
смальты, в углах — круги зеленого мрамора. Колонна белого мрамора
покрыта набором СМРЛЬТ десяти
цветов. Цоколь украшен ромбом из темно-красной яшмы.
Наиболее ранним образцом римской мозаики в Государственном Эрмитаже
является «Портрет императрицы Елизаветы Петровны», выполненный в Риме в
1750 г. Александре Кокки с портрета французского живописца Каравака.
Портрет набран из цветных смальт довольно крупного размера. Мозаичный
набор выполнен в стиле, характерном живописи «рококо». Общий
холодноватый серебристый тон оживлен нежными розовыми оттенками на лице
и руках, четко обозначены переходы от света к тени.
Очень разнообразно представлено в Эрмитаже творчество Джакомо Раффаэлли.
Как уже выше было сказано, одной из особенностей его творчества являлось
умение сочетать флорентийскую и римскую мозаики. Всемирно известны его
произведения: табакерка из нефрита с мозаичной крышкой «Водопад в
Тиволи» (1800 г.) и плакетка «Грот в Тиволи» (1817 г.). Обе работы
выполнены в технике римской мозаики из многоцветной смальты и создают
полную иллюзию живописи на холсте.
В настоящее время римская мозаика чаще выполняется из цветной смальты.
Эти произведения искусства изготавливаются как монументальные
декоративные украшения для станций метрополитена, Дворцов культуры и
других общественных учреждений. Из современных работ особый интерес
представляют художественные произведения из цветного камня, созданные
А. И. Бойковым методом римской мозаики по разработанной им технологии.
Им создано семь уникальных мозаичных картин размером в среднем 470х760
мм. Мозаичные картины А. И. Бойкова выполнены из прямоугольных заготовок
различных цветных камней размером 2х3х1 мм. Каждая картина состоит из 75
—78 тысяч таких заготовок. В мозаике использованы одиннадцать
разновидностей яшм, опала, гелиотропа, агата, кахолонга, кварцита и
малахита.
Александр Иванович Бойков хорошо известен приборостроителям, особенно в
часовой промышленности. Он инженер, высоко- квалифицированный
специалист, лауреат Государственной премии СССР. Уральский камень А. II.
Бойков полюбил с детства, а камень, если ты его приметил, не отпустит
тебя до самой смерти. Именно поэтому после школы он поступает в
Свердловский горный техникум. Оканчивает его в 1933 г. технологом по
обработке самоцветов и цветного камня. Потом работа в Ленинграде, на
заводе «Русские самоцветы», а с 1935 г. —на заводе технических камней. И
несмотря на то что жил он теперь далеко от Урала, цветной камень —
уральский — не давал ему забыть себя, был рядом, потому что завод
технических камней, а потом Петродворцовый часовой завод находились в
помещении старой Петер- гофской гранильной фабрики, той самой, от
которой и началось камнерезное производство России.
Все знали о пристрастии А. II. Бойкова к цветным камням. Это по его
инициативе появляются ручные часы с яшмовым циферблатом, затем —
подчасники из камня. Мы не знаем, с каких пор он вынашивал свою мечту о
создании мозаичных картин и когда разработал технологию их изготовления,
но нам известно, что первая картина — копия известной работы Куинджи
«Березовая роща» размером 310 X 590 мм —была создана в 1956 г.
Изображение пейзажа требует владения тонкой и богатой гаммой красок,
умения передать прозрачность теней, оттенки зелени и воздушные дали. Но
любая мозаичная работа, особенно создание пейзажа из камня, требует еще
и безупречного технического ис- полнения. Эта картина была первой
пробой, проверкой технологии изготовления и своих способностей как
художника. Она утвердила правильность выбранной технологии и показала
возможности А. И. Бойкова как художника.
Когда смотришь на картину «Осень» (рис. 23) размером 450 Х 730 мм,
созданную в 1975 г., пожалуй, одну из лучших картин А. И. Бойкова,
поражает багрянец и многоцветье листьев деревьев парка. Справа в глубине
— пруд, вдали — мостик с белыми перилами. Среди деревьев просматривается
северное небо. И не
случайно за эту картину А. И. Бойков получил диплом I степени па
Московскоп выставке в Центральном выставочном зале. Когда смотришь на
эту мозаику, невольно вспоминаются слова поэта «Осенная пора, очей
очарованье...»
Картина «Коттедж в Александрии» размером 470 Х 760 мм, созданная в 1978
г., — пейзаж с натуры. И опять, как и на всех его картинах много зелени.
Коттедж не главное в пейзаже, главное — зеленая гуща вокруг него. С
натуры создана (1977 г.) картина «Римский фонтан в Петродворце» размером
470 Х 740 мм.
Мозаичная картина «Русские березки» (рис. 24) размером 490 X 740 мм,
созданная в 1976 г., —это не повторение «Березовой рощи» Куинджи. Пейзаж
навеян парком в Старом Петергофе. На переднем плане — три ствола березы,
кроны их не видны. За одной из берез выглядывает ствол четвертой, а
вдали, среди зелени, виднеются еще две стройные березки. Если крупные
стволы берез первого плана очень рельефны, проработаны каждая складка и
рисунок коры, а на одной из них — кусок ободранной коры, то на заднем
плане лес изображен в сдержанных тонах, проглядывает летнее голубое
небо, и этим достигается впечатление перспективы.
Если не знать, что картина создана из камня, то ее легко можно принять
за акварельную живопись. Только подойдя вплотную, можно различить
прямоугольнички различного цветного камня, из которых она набрана.
Кроме перечисленных картин им созданы еще мозаичные пейзажи
«Парк Александрия» (1976 г.) и «Дубовая роща» (1977— 1978 гг.) и
последняя его работа «Букет сирени» (1979 —1980 гг.). Александр Иванович
Бойков не успел ее закончить. Эту мозаику закончила его жена и друг
Тамара Яковлевна Бойкова. Очевидно, авторами последней картины следует
считать А. И. и Т. Я. Бойковых.
В технологии обработки мозаики чувствуется личность автора, в котором
сочетались как бы два человека — художник и политехник, точнее,
специалист по обработке технических камней, размеры и геометрическую
форму которых не всегда можно было разглядеть невооруженным глазом.
Очевидно, именно поэтому Бойков и выбрал римскую мозаику, техника
исполнения которой была ему близка. А художественные способности — это
дар природы, который получил свое развитие в Свердловском горном
техникуме и на заводе «Русские самоцветы» в Ленинграде. Это тот случай,
когда человек и свои способности, и приобретенные знания не растерял, а
подарил людям.
Русская мозаика. Отличительной
чертой русской мозаики является в первую очередь создание объемных
произведений
искусства и изделий декоративных, прикладного характера. Русская мозаика
набирается из различных криволинейных (объемных) плоскостей или
изготавливается в виде объемных изделий.
Классическими произведениями русской мозаики являются четыре колонны из
яшмы в Государственном Эрмитаже. Примером русской мозаики является
чаша-ваза из яшмы, установленная перед входом в дворцовую церковь.
Трудно представить себе, что чаша изготовлена не из монолита яшмы, а из
ее пластинок тщательно подобранных по рисунку. Темно-зеленые и
коричневые полосы расположены на колоннах горизонтально. Внутри овальной
чаши-вазы по криволинейной поверхности — концентрические круги.
Кроме таких монументальных произведений в музеях страны существуют и
другие мозаичные изделия.
Наряду с крупными декоративными изделиями — вазами, чашами, колоннами
—уже в середине XVIII в. получили распространение мелкие бытовые
предметы: чарки, шкатулки, табакерки и даже пуговицы.
К русской мозаике относится и объемная малая трехмерная скульптура из
разных цветных камней. Она предусматривает создание пластически цельного
произведения с разнообразными пластически осязаемыми эффектами. Такие
изделия не облицовываются пластинками. Большинство посетителей
Государственного Эрмитажа, очевидно, не предполагают, что колонны (рис.
25), малахитовые вазы (рис. 26) и другие произведения искусства из
малахита не являются монолитными изделиями, а представляют собой
классические изделия русской мозаики
— мозаичные наборы, выполненные талантливыми русскими мастерами.
Расцвет малахитового производства, т. е. русской мозаики, относится ко
второй четверти XIX в. и в большой степени обязан самоотверженному труду
русских камнерезов, мастеров-малахитчиков Федора Морина, Ефима Зимина,
Ильи и Андрея Козьминых, Василия и Потра Докторовых, Дмитрия Семенова и
др.
Раньше малахитчики (их так и называли) были отдельной кастой. Приемы и
технику обработки старались передавать только членам своей семьи, чаще
всего сыновьям. И вполне вероятно, что методы обработки, а скорее всего
шлифовальные, полировальные и склеивающие материалы были разные.
В настоящее время мастер или камнерез может обрабатывать любой камень, в
том числе и малахит.
Уральские мастера во главе с потомственным малахитчиком А. Оберюхтиным
изготовили письменный прибор из 12 предме
тов. Все выполнено в строгом классическом стиле. Прекрасно подобран
камень. А цвет малахита, как всегда, придает прибору праздничный и
парадный вид.
Известная петербургская ювелирная фирма Карла Фаберже отличалась
необычайным разнообразием выпускаемого ассортимента высокохудожественных
изделий. В них удачно сочетались металл и камень, драгоценные и цветные
камни. Фаберже удачно использовал в своих изделиях цветные камни Урала,
Кавказа и других месторождений России. Изделия объемной мозаики из
уральского цветного камня великолепно выполнялись уральскими мастерами и
мастерами Петергофской гранильной фабрики. Фирма их скупала, но затем
открыла в Петербурге свои камнерезные мастерские. Большой популярностью
пользовались изделия камнерезов Дербышева, Свешникова и Кремлева. Ими
были созданы серии типов национальных народностей России. И следует
заметить, что работы уральских умельцев в объемной мозаике —
скульптурные группы или отдельные фигуры людей, грозди винограда, кисти
ягод или ветки цветов — по мастерству не уступали работам фирмы Фаберже.
Разновидностью русской мозаики является так называемая накладная
мозаика.
Название «накладная», очевидно, объясняется тем, что выполненная
объемная мозаика, например ветка смородины, накладывается на готовое
изделие из камня как декоративное украшение (см. рис. 13).
Объемная мозаика успешно может выполняться из мягкого камня. В 1953 г.
мастер Харкачов выполнил интересную статуэтку «Друзья» — мальчик с
собакой. Фигура мальчика — шуба с капюшоном — изготовлена из черного
серпентина, лицо — из бледно-желтого гипса, волосы — из черного
серпентина, рукавицы —из белого гипса, книги — из агамальматолита,
ремень, связывающий книги, — из черного серпентина. Собака — из желтого
гипса. Елочка — из снежно-белого гипса. Эта скульптура характерна для
объемной мозаики.
Представляет интерес хранящаяся в Минералогическом музее Академии наук
СССР скульптура «Запасной» (солдат времен первой мировой войны,
1914—1917 гг.), выполненная методом объемной мозаики. Лицо и руки
изготовлены из кахолонга телесно-желтого цвета, фуражка —из зеленой
миасской яшмы, сапоги — из черной яшмы, скатанная шинель —из серой яшмы
и т. ц.
Часто и заслуженно вспоминают одного из старейших русских мастеров Д. К.
Кубина, работы которого были представлены на международной выставке в
Париже. Он был знаменит изготовлением известных уральских горок из
самоцветов и цветных камней
67
еще до революции. Эта своеобразная объемная русская мозаика представляла
собой живописную коллекцию уральских камней. Но уже
в тридцатые годы, годы первых пятилеток, Д. К. Кубин создает горку
совсем иную, с другим содержанием, которое точно адресует нас в новую,
конкретную эпоху.
Новая горка представляет собой агатовый постамент с горой, и штреке
которой горняк грудью налегает на перфоратор, а над ним нависают
различные породы камня. По данным Б. В. Павловского, горка состоит из
семнадцати пород самоцветного камня.
К 800-летию Москвы уральские мастера изготовили модель значка,
выпущенного в столице к этой дате. Увеличенная модель значка выполнена
из самоцветов, цветного камня и серебра. Башни и стены Кремля выполнены
в серебре и рельефно выделяются на темно-синем лазурите. Тонкие
серебряные нити поднимаются ввысь, распускаясь над Спасской башней
огнями граненых самоцветов: золотистых топазов, сиреневых аметистов,
зеленоватых хризолитов и красных рубинов. Это был дар Москве от
трудящихся Свердловска.
В музее Свердловского ПТУ № 42 можно увидеть великолепную объемную
мозаику, изображающую девушку с длинной косой, напоминающую легендарную
Хозяйку Медной горы, которая создана как одно целое с постаментом из
яшмы. Фигура девушки выполнена из яшмы, нефрита, халцедона разных
цветов. Эта настольная композиция изготовлена Г. Галакиным и А.
Ро-дыгиным под руководством В. Рысина.
В 1958 г. в «Хрустальном дворце» советского павильона Всемирной выставки
в Брюсселе среди многих тысяч экспонатов обратили на себя особое
внимание два художественных изделия, выполненных Ленинградским
художественно-ремесленным училищем, получившим за эти изделия золотую
медаль.
Одно из них — декоративное панно «Садовые ягоды», выполненное под
руководством мастера А. Е. Дризгаловича. Панно представляет собой овал
из лабрадорита размером 150 X 260 мм, который является фоном композиции.
По фону разбросаны веточки садовых ягод: крыжовника, малины, красной и
черной смородины. Почти в центре расположена бабочка. Это типичное
изделие с накладной объемной мозаикой.
Вторая работа — шкатулка размером 160 X 160 X 100 мм (автор Ю.
Аксентон), изготовленная из калканской яшмы. Она представляет собой
восьмигранный корпус с каннелированными углами, к которому приклеено
дно. Торцы крышки шкатулки, слегка выступающей за корпус, обработаны в
форме валиков, а верх ее, покрытый черной пластиной из кремнистого
сланца, декорирован объемной мозаикой
«Букет цветов». На одной из
граней шкатулки располагается выполненное из кахолонга изображение
голубя, на двух смежных гранях — ветви лавра.
Оба изделия достаточно традиционны. Их несомненным до- стоинством
является хорошее профессиональное исполнение каждого изобразительного
элемента и тщательная его отделка. Очень удачно подобраны цвета
элементов композиции из нефрита, орлеца, сердолика, кахолонга и жадеита
на темном фоне панно и шкатулки.
А в 1961 г. учащимися Свердловского училища № 42 были представлены
интересные художественные изделия с объемной мозаикой на Выставке
достижений народного хозяйства СССР.
На большой глыбе — лунной поверхности — стоит космическая ракета. Люк
ракеты открыт, и два космонавта уже вышли наружу. Так представила
фантазия учащихся полет человека на Луну. Лунная поверхность выполнена
из бурого халцедона. Серая, неровная текстура камня, гроздеобразные
образования, напоминающие лунные кратеры, — такой видится поверхность
ночного светила. Модель ракеты выполнена ювелирами училища из
серебристой латуни, фигуры космонавтов — из красноватой орской яшмы.
Постамент для композиции изготовлен в виде круглого плинта из лазурита.
Автором композиции является мастер училища П. И. Райков. Работу
выполняли воспитанники училища С. Благов, Л. Фадеев, В. Неклюдов и А.
Кукин.
Воспитанник училища И. Шишенин в честь космического полета Германа
Титова изготовил по собственному проекту сувенир «Восток- 2». На черном
фоне неба из обсидиана — мчащаяся ввысь ракета, внизу — часть земного
шара из лазурита и пять
лучей — символ пяти континентов.
И, наконец, уральский сувенир — «Хозяйка Медной юры».
Сувенир выполнен мастером П. И. Райковым и его учеником А. Устиновым.
Среди гор из дымчатого, молочного и прозрачного горного хрусталя,
орлеца, пирита, лунного камня, гранита, изумруда, аквамарина, турмалина
и многих других самоцветов и цветных камней стоит Хозяйка Уральских гор,
фигура которой выполнена из халцедона. Правая рука ее держит крышку
открытой шкатулки из малахита. Шкатулка наполнена переливающимися всеми
цветами радуги гранеными самоцветами. Композиция создает картину
бесценных богатств недр Уральских гор.
За экспонированные изделия Свердловское училище № 42 было награждено
дипломом ВДНХ II степени, мастер П. И. Райков — большой серебряной
медалью. Малой серебряной медалью награжден мастер В. А. Вирачев,
бронзовыми — мастер Н. А. Кокорин, В. И. Михайлов и Ф. М. Воробьев.
Десять учащихся были награждены медалями «Юный участник ВДНХ».
Экспонировались изделия Свердловского училища и на меж- дународной
выставке в Лондоне.
На многих всесоюзных и международных выставках постоянно экспонируются
работы учащихся ПТУ № 42, ПТУ № 11 и др. На заводы приходят
квалифицированные мастера, способные создавать высокохудожественные
изделия из цветного камня любого назначения.
Безукоризненно, с большим вкусом создана шкатулка с накладной мозаикой
(художник Ю. И. Паас-Александрова, мастер И. С. Буграчева). Шкатулка
размером 270 х 175 X 85 мм (см. рис. 13) изготовлена из калканской яшмы.
На крышке из серо-зеленого камня — ветка черной смородины (объемная
накладная мозаика). Смородина выполнена из обсидиана, листья — из
нефрита; ствол ветки и «хвостики» ягод — из коричневой яшмы. Мы обращали
ваше внимание на то, что художественная резьба применяется при
изготовлении различных изделий. В данном случае именно тонкая резьба
придала листьям из нефрита особые изящество и художественный эффект.
Также с накладной мозаикой и художественной резьбой выполнена крышка
круглой шкатулки «Ветка жасмина» (рис. 27). Шкатулка тоже изготовлена из
калканской яшмы с металлическим ободком. Объемная мозаика представляет
собой ветку жасмина. На калканской яшме, отполированной до зеркального
блеска, — белые цветы жасмина из кахолонга и листья из нефрита.
С накладной мозаикой изготавливают настенные декоративные тарелки (рис.
28).
Одним из оригинальных современных образцов художественных изделий
объемной мозаики из цветного камня нам представляется работа В. П.
Ерцева, названная им «Муха» (рис. 29). Это произведение прикладного
искусства, близкое и к изделиям мастеров фирмы Фаберже. Посмотрите на
рисунок, какое удачное сочетание серо-голубого агата с черным
обсидианом. Сюжет шкатулки и на этот раз подсказан невзрачным на первый
взгляд куском горбушки из агата. Лаконичными средствами добился автор
удивительного художественного эффекта. Крылья выполнены из агата, брюшко
— из черного, до зеркального блеска отполированного обсидиана, а большие
овальные глазищи — из нефрита. Для скрепления между собой деталей и
шарнирного механизма подъема крыльев и ножек мухи очень тактично, почти
незаметно использован серебристый металл (мельхиор). Крышка легко при-
поднимается, а брюшко оказывается ложком, куда можно положить ювелирные
изделия или цепочки.
Шкатулка «Муха» может украсить любой интерьер; и домашний, и музейный,
В. Ерцевым созданы и шкатулка «Изморозь» (агат с кварцем), шкатулка
«Льдинка» (кварц с обсидианом) и др. И во всех этих работах, как
отмечает сам автор, тот же принцип — нетронутая красота природы в
сочетании с тонкими камнерезными работами. Ерцев бережно относится к
камню и считает самой главной задачей в своей работе, а может быть своим
девизом пытаться соединить могучую силу природы, ее размах и
неповторимость, красоту с творчеством человека так, чтобы только
внимательный взгляд уловил различие творения природы от творения рук
человеческих и увидев, понял бы нерасторжимость природы и человека.
Одним из простейших видов объемных мозаичных работ является изготовление
последних из плоских деталей (плиток-пластинок). Издавна из плоских
плиток изготавливались и изготавливаются различные небольшие шкатулки, в
том числе и малахитовые. Обычно плитки цветного камня наклеивались на
основу, чаще всего металлическую. Декоративный эффект и художественная
ценность шкатулки зависит в большой степени от удачно выбранного камня.
Из плоских плиток (пластинок) различных геометрических форм можно
изготавливать столешницы, подносы, декоративные тарелки, светильники,
бра, мозаичные подставки для авторучек, вазы и другие художественные
изделия. Это убедительно доказал своими работами Ю. В. Никитин (рис. 30,
31).
Не совсем обычной является объемная мозаика Ю. В. Никитина: кабинет по
мотивам Нащокинского домика (рис. 32). При внимательном рассмотрении
видно, что большинство деталей этого уютного кабинета
— и письменный стол, и его выдвижные ящики, этажерка, книги, паркет и
дорожка на нем и все остальные предметы обстановки — представляют собой
плоские плитки различной геометрической формы из разных цветных камней и
только кое-где — детали с криволинейными поверхностями. Кабинет так
уютен, такой домашний, что возникает желание отодвинуть немного кресло и
сесть в него. Кресло отодвинуть можно, но сесть в него... можно, если
превратиться в Дюймовочку. Светильники изготовлены из просвечивающих
пластин цветного камня.
Один из светильников автор назвал «Махмуд Эсамбаев» и
хоть в светильнике нет и намека на его портрет, но когда внутри
светильника включается лампочка, камни как бы оживают, меняют глубину
окраски и даже рисунок. Невидимые ранее, в отраженном свете они
выявляются с особой четкостью. Разноцветность пластин, разная
геометрическая форма и удачное расположение в композиции ассоциируются с
танцем, пляской и название светпльника уже не вызывает удивления.
71
И везде, во всех изделиях (поделках) Никитина — один основной принцип.
Все поделки создаются из плоскостных пластин или плиток разной
геометрической формы. Слово «поделка» бытует очень давно и в разговорной
речи, и в литературе. Мы не будем подробно рассматривать происхождение
этого слова, возникшее, очевидно, одновременно с понятием «умелец».
Следует только различать следующее: когда из цветного (поделочного)
камня изделия изготавливает умелец, их следует называть поделкой. На
промышленных же предприятиях изготавливают продукцию, которая состоит из
изделий. И в этом случае изделия из цветного камня поделкой называть
нельзя. В настоящее время на предприятиях, выпускающих художественные
изделия из цветного камня, слово «поделка» не употребляется ни в
разговорной речи, ни тем более в технической документации.
Современная техника дает возможность достаточно производительно
изготавливать сложные художественные изделия, например вазочки по
мотивам Эрмитажа, выполненные методом скоростного шлифования (рис. 33),
рюмки (рис. 34) и вазы (рис. 35) из яшмы (ножки из металла), ликерный
или винный набор из родонита (рис. 36).